El Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) acull, des del 7 d’abril fins al 9 de juliol, l’exposició “Pere Torné Esquius. Poètica quotidiana”, la primera monografia dedicada a l’artista català.
Pere Torné Esquius (1879 – 1936), nascut a Sant Martí de Provençals, estudiaria a Llotja, on coincidiria amb Picasso, i al Centre Artístic de Sant Lluc. Després d’haver exposat a la Sala Parés entre el 1903 i el 1904, amb obres que recollien la influència de Ramon Casas i Anglada Camarasa, i de fer les seves primeres passes en el món de la il·lustració, amb la portada de Les Tenebroses del poeta i escriptor modernista Rafael Nogueras Oller i amb el llibre Cançons infantils de Narcisa Freixas, el 1905 es dirigiria a París, on descobriria la seva veu interior.
Així doncs, al llarg de la seva vida, Torné Esquius es mantindria amb un peu a Barcelona i amb l’altre a París, temptejant les dues capitals de l’art com un expert funambulista. Les seves obres, d’un estil personalíssim, són d’un localisme cosmopolita que esquiva codis i etiquetes per sucumbir a l’ortodòxia d’un primer Modernisme i d’un Noucentisme que l’inclouria, irremeiablement, dins del seu programa. En aquest sentit, l’exposició que ofereix el MNAC ha aconseguit recollir vuitanta-cinc obres de l’artista català que mostren una visió ampliada de la seva trajectòria professional.
Movent-se sempre entre la pintura i la il·lustració, Torné Esquius és conegut sobretot pels seus interiors. És l’ull que observa les intimitats, un innocent voyeur que recull el silenci i l’estaticisme de les habitacions on el temps sembla defugir les hores. De fet, la temàtica dels interiors, reflex de l’univers costumista, és moderníssima precisament per la seva sobrietat formal, i és aquí on l’artista català mostra, amb una comoditat visual excepcional, el seu estil més personal i definitori. Igualment, encarnant-se en un autèntic flâneurde la vida moderna, Torné s’instal·la als carrers i capta, quasi sempre fragmentàriament, la vida urbana en una actitud desimbolta i desenfadada, on destaquen, sobretot, els llenços que recullen el món del circ, les fires i els putxinel·lis.
El 1910, il·lustraria Els dolços indrets de Catalunya, segurament la seva obra més coneguda, precedida d’un pròleg de Joan Maragall i una notícia de Francesc Sitjà, la qual esdevé la descripció geogràfica de la Catalunya de principis del segle XX i, molt possiblement, la falca que, temps després, complementaria Xavier Nogués amb La Catalunya pintoresca, una radiografia humana en clau satírica i humorística de la societat catalana d’aquells anys. Però Torné Esquius no només il·lustraria llibres, la majoria dels quals estaven destinats a un públic infantil, sinó que també col·laboraria en diferents revistes. No hem d’oblidar la seva col·laboració, al llarg del 1913, a la revista Mundial Magazine dirigida per Rubén Darío, on l’artista català il·lustraria nombrosos contes, a més, tal com es fa palès a l’exposició, de la seva presència en publicacions catalanes i franceses com Il·lustració Catalana, Papitu, Empori, Jordi, Le Courrier Français, Le Rire, La Vie Parisienne o Fantasio.
Torné Esquius és d’aquells artistes singulars que no formen part de cap escola, no és un noucentista en el sentit etimològic i ideològic del terme sinó que, cosa molt diferent, es relacionà, per qüestions de cronologia, amb el cercle noucentista. Així doncs, era deutor d’un moviment que formava part del seu present històric. Per això, alguns dels seus dibuixos recullen ecos del Noucentisme d’Emili Ferrer, Josep Obiols o Xavier Nogués, i s’emmarquen, en paraules de Cirici Pellicer, en un “formalisme primitivista”. Però en essència, Torné Esquius desenvolupa un estil propi que troba en la innocència, cosa dificilíssima, el seu marc teòric, i en l’ambient de París la seva clau de volta.
El MNAC recupera, doncs, Pere Torné Esquius o, més ben dit, el posiciona públicament al lloc que es mereix. Però, tot i així, no podem dir que sigui un artista oblidat, sinó que juga, com tants altres artistes catalans, en una altra lliga, que és “l’altra” lliga de la història de l’art català, a la qual només s’endinsen aquells historiadors capaços d’explorar les perifèries on entren en contradicció períodes i estils.
Obra en tres actos. O una muestra. Pero no una exposición. Lo dicen sus protagonistas: Frederic Amat, el artista, y Miquel Adrià, su comisario, en referencia a ‘Zoótropo’, la propuesta de La Pedrera, hasta el 7 de julio, relacionada con el arte. «Un acto, el primero, que denota emoción; otro más íntimo que concentra las miradas desde el recogimiento, y un tercero que da una panorámica de conjunto de sus intervenciones en espacios públicos y privados». Palabra de comisario para explicar la no exposición que empieza con una intervención, efímera, en el piso noble de La Pedrera, continúa con la proyección de ‘Forja’ (sobre los balcones del edificio) y la muestra de pequeñas y personales piezas escogidas por Amat, y acaba con la presentación de 14 de sus intervenciones, que van del Liceu al Liceu. Vamos, de su propuesta de 1998 para decorar los plafones del techo de la sala del teatro, a su proyecto del 2015 para llenar de círculos abiertos su fachada.
Las dos intervenciones fallidas del artista sobre el coliseo no son lo más importante de la muestra, ni lo más espectacular, pero sí lo que más curiosidad despierta: ¿Es un hecho premeditado abrir y cerrar con estas dos intervenciones? «No, es totalmente casual, pero como es una obra en tres actos, acabar con una escena operística tiene sentido», bromea el artista. ¿Pero habrá cierta espina clavada en estas dos iniciativas frustradas? «Todos los que creen que la fachada está desnuda la tienen. Nunca me he sentido solo en este proyecto, encontré a mucha gente que me apoyó. Otra, no. En el arte no hay consenso, es imposible. Una obra que guste a todo el mundo es una momia», reflexiona.
LOS CÍRCULOS DEL COLISEO
Pero también hubo mucho rechazo: «Produjo una sacudida urbana como pocos proyectos en esta ciudad, una sacudida viral, impresionante y constante durante cinco meses hasta que se paró. Quizá el único antecedente sea el calcetín de Tàpies. Puedo aseguraros que cada vez que entro en la sala oval tengo la sensación de que es una cáscara de huevo sin la yema», sostiene. Y aunque no quiere hablar del tema, lo hace: a los círculos «les han llamado de todo menos lo que son: la planta del primer teatro de ópera romano que diseño Vitruvio, y que dibujó siglos más tarde Palladio. Y ¿qué es? Es el público. ¿Qué mejor que recibir al respetable en la fachada y darle una irradiación que creo que necesita?». Pero el artista propone y las instituciones disponen: «No depende de mí, me apeo y me retiro», concluye. Pero un proyecto no realizado no es un fracaso. «Lo importante es pensarlo e imaginarlo. Realizarlo es un segundo acto. Prefiero llegar a puerto pero lo importante es el viaje».
Entre los 14 presentados hay muchos que han arribado: como la ‘Pluja de sang’ del Lliure, los ‘Pits de Gallifa’ de la Fundació Llorens Artigas, y el ‘Mur dels ulls’ del Hotel Ohla. De cada uno de estos proyectos muestra piezas, dibujos y esbozos nunca vistos, además del ‘making of’. Hay obras increíbles, entre otras, uno de los ojos de cerámica realizado para el muro del hotel. Es un ojo con iris, algo imposible de conseguir con cerámica: «El horno hace la suya y de vez en cuando te hace un regalo como este, es uno entre dos mil».
La cerámica también es protagonista de la primera parte de la muestra, la más espectacular. La que es una intervención de la que fue planta noble de La Pedrera y ahora es sala expositiva. Amat la ha desnudado completamente, así es posible ver las ventanas y la calle. «La presencia de la luz es la protagonista», explica. Pues esta hace que la fachada se refleje en el suelo, que se ha pintado de blanco. Además se ha reconstruido la vivienda con estancias compartimentadas con tabiques transparentes, casi fantasmagóricos, habitados por ocho crisálidas de cerámica negra, brillante y tornasolada, de tres metros y medio.
CRISÁLIDAS QUE CONTIENEN MEMORIA
Crisálidas, arcas o huevos que contienen algo: memoria. «Las habitaciones, los edificios tienen contenido, y este tiempo contenido es lo que hemos querido recuperar de una manera poética con estas esculturas que no tienen tamaño real para no parecer catafalcos. Lo que generan las crisálidas es vida como se verá». ¿Cuándo? Amat no da más información, quiere mantener el misterio: «Dejadlas gestar, están generando alguna cosa y creo que habrá una explosión final», sostiene. Si subraya algo que cree importante: «De ninguna manera quería hacer una obra que fuera caricatura o retórica de la obra gaudiniana. Creo que a Gaudí hay que dejarlo descansar tranquilo».
En la suma de los tres actos «hay unidad» y son «una oportunidad excelente para comprender el exuberante y original imaginario vital y artístico de Amat», concluye el comisario.
La exposición, que abarca desde la caída del Imperio Romano hasta el siglo XV, da una visión de la identidad de Europa gestada en esta época
CaixaForum muestra a partir de hoy en su sede de Barcelona la exposición Los pilares de Europa, en la que se explican los fundamentos de la formación de la identidad europea en la época medieval a partir de piezas del British Museum, en su mayoría nunca expuestas.
La directora general adjunta de la Fundación la Caixa, Elisa Durán, ha subrayado que «esta exposición muestra que la imagen de la Edad Media va más allá de una época oscura, y busca puntos de contacto más allá de las instituciones e identidades nacionales».
La muestra arranca con el siglo IV con la caída del Imperio Romano y abarca cronológicamente hasta el siglo XV y, según Durán, «la escenografía y museología está conducida a llevar al espectador a una inmersión que le haga disipar las ideas preconcebidas». «La Edad Media prefigura la forma de vida que hoy tenemos no solo en Europa sino en gran parte del mundo”, añade.
Piezas excepcionales
De las 263 piezas exhibidas, 244 proceden del British Museum -una gran parte nunca mostradas-, si bien el discurso se completa con otras 19 pinturas y esculturas del Museo Marès, el MNAC y el Museo Arqueológico Nacional de Madrid, que proporcionan el contrapunto de los reinos del sur.
El diseño de la exposición realza la espectacularidad de las piezas en los cinco ámbitos en los que se divide el recorrido para explicar la formación de Europa: el poder real, el poder eclesiástico, la vida en la corte y la vida urbana.
Un último apartado está dedicado, a partir de un audiovisual, a detallar la herencia de la Edad Media hasta nuestros días.
Piezas expuestas en ‘Los pilares de Europa’, en le CaixaForum (Ana Jiménez)
El presidente del British Museum, Richard Lambert, ha subrayado que Los pilares de Europa se centra «en un período en que muchos países comenzaban a tomar forma», más de mil años de historia en que se produjeron cambios políticos, económicos y culturales, así como grandes talentos artísticos y progresos intelectuales.
Y ha añadido con la habitual flema británica: «Como residente de esta isla tan curiosa del norte de Europa estoy de acuerdo en la oportunidad de esta exposición», y en alusión al Brexit, ha recordado las palabras de Winston Churchill, quien dijo que «el futuro no lo sabemos, pero el pasado nos debería dar esperanza».
Juego de ajedrez
Un rey del juego de ajedrez de Lewis (1150-1200), posiblemente de Noruega, hallado en el siglo XIX en Escocia, confeccionado con marfil de morsa, es una de las piezas estrella de la muestra.
«Aún es un misterio su origen, y cuando un miembro del Partido Nacionalista Escocés pidió recientemente que devolviéramos a Escocia este juego de ajedrez, nosotros respondimos: ¿a qué parte de Noruega quieren que lo devolvamos?», ha ironizado Lambert.
El broche de Wingham (575-625), procedente de Inglaterra, una joya muy popular en los siglos VI-VII en el antiguo reino anglosajón de Kent; las piezas circulares de vidrio (siglo XV) de Alemania; o una Estatuilla de un caballero (siglos XIV-XV), posiblemente una representación de San Jorge y la personificación del caballero medieval, son otros atractivos de la exposición, que estará en Barcelona hasta el 18 de junio.
Una visitante observa una cruz medieval de la exposición ‘Los pilares de Europa’ (Ana Jiménez)
Todas estas piezas, comentan los comisarios, Michael Lewis y Naomi Speakman, constatan que «la Edad Media no fue una época oscura, de luchas y supersticiones, de miedo e ignorancia, sino también de grandes talentos artísticos, desarrollo cultural e importantes cambios políticos, religiosos y económicos».
Los pilares de Europa inicia una nueva colaboración de la Fundación la Caixa con el British Museum por la que hasta 2020 coorganizarán otras tres exposiciones sobre la Antigua Grecia, los faraones y el lujo en la antigüedad.
La Edad Media no fue una época oscura, de luchas y supersticiones, de miedo e ignorancia, sino también de grandes talentos artísticos, desarrollo cultural e importantes cambios políticos, religiosos y económicos
La conmemoración del 150 aniversario del nacimiento de Ramon Casas (1866-1932) resulta una oportunidad magnífica para reencontrarnos con la obra del pintor que mejor supo captar la eclosión de un nuevo tiempo en el cual la idea de modernidad llamaba a las puertas de la historia.
Con su actitud, a veces bohemia, a veces irreverente y socarrona, Casas realizó una firme declaración de adhesión a la propuesta surgida en el decurso de las últimas décadas del siglo XIX. En este sentido, no hay que obviar su uso de determinados ingenios – la bicicleta, el automóvil – que ponían de manifiesto su confianza optimista en las posibilidades tecnológicas que ofrecía el mito del progreso. A caballo, pues, entre el deseo y la realidad, la obra de Casas fue muy permeable a la asimilación de un gran número de influencias: el cartel, la fotografía o la estampa japonesa.
La muestra que ahora llega a CaixaForum Madrid, tras su paso por Sitges con gran éxito, reúne 145 obrastanto de Casas como de artistas coetáneos y está organizada por la Obra Social ”la Caixa” junto con el Museu Nacional d’Art de Catalunya y Museus de Sitges. La exposición ha contado con la colaboración de la Generalitat de Catalunya, la Diputación de Barcelona y el Ayuntamiento de Sitges.
Ramon Casas. La modernidad anhelada se podrá visitar del 8 de marzo al 11 de junio de 2017 en CaixaForum Madrid
Vázquez Consuegra firma un proyecto que une el mundo interior y exterior a través de una monumental marquesina
Una enorme marquesina de espuma de aluminio, innovadora aleación que se deja traspasar por la luz, es la nueva puerta que todos quieren atravesar. La Fundación Bancario La Caixa, que tiene ya siete centros culturales repartidos por España, ha cumplido este viernes su deseo de estar también en Andalucía con la inauguración del CaixaForum Sevilla. Nada menos que 7.500 metros cuadrados consagrados a la cultura, la educación y la ciencia, a los que se accede a través de ese ingenio traslúcido ideada por el arquitecto sevillano Guillermo Vázquez Consuegra.
El espacio, que el autor del vecino Pabellón de la Navegación ha tenido que crear a partir de una estructura ya existente —en el aparcamiento y oficinas del edificio Pódium que forma parte del complejo Torre Sevilla— cuenta con dos salas de exposiciones y un auditorio para 276 personas, además de aulas polivalentes, restaurante y tienda. El nuevo centro, el tercero por dimensiones tras Barcelona y Madrid, ha costado 18 millones de euros y contará con un presupuesto anual de cinco millones para su programación y funcionamiento.
UN SALTO DE OCHO SIGLOS EN OCHO AÑOS
La Fundación La Caixa solicitó oficialmente la cesión por 75 años de las Reales Atarazanas de Sevilla a la Junta de Andalucía –propietaria de este gran bosque de arcos del siglo XIII ubicado en pleno centro de la capital, muy cerca de la plaza de toros y del Teatro de la Maestranza- en diciembre de 2008. Iba a ser “por importancia patrimonial, por belleza y por extensión el mejor de los CaixaForum”, en palabras del entonces director general de la fundación, Jaume Lanaspa.
Pero los enfrentamientos políticos entre Junta y Ayuntamiento (incluso cuando ambos eran del PSOE) y el cainismo de parte de la sociedad civil sevillana fueron poniendo palos en las ruedas al proyecto -encargado al arquitecto sevillano Guillermo Vázquez Consuegra tras un concurso internacional- hasta que en 2012 CaixaBank absorbió a Banca Cívica y con ella a su proyecto estrella: Torre Sevilla. Ante la imposibilidad de ejecutar el proyecto, La Caixa decidió trasladar su centro cultural al rascacielos de 178 metros de altura diseñado por César Pelli en la isla de La Cartuja, donde ocupa 7.500 metros cuadrados de su edificio secundario, Pódium. De forma que hace ocho años, la entidad financiera se vio obligada a abandonar su sueño en los astilleros reales, un conjunto con ocho siglos de antigüedad, y cambiarlo por un espacio del siglo XXI; aunque destinó un presupuesto menor (diez millones de euros) a la rehabilitación del monumento para convertirlo en un centro cultural que estudiara la relación de Sevilla con América, proyecto que está paralizado por un juez desde el pasado octubre tras un recurso presentado por la asociación conservacionista Adepa.
Tanto la presidenta de la Junta de Andalucía, Susana Díaz,como el alcalde de Sevilla, Juan Espadas, apostaron este viernes en la inauguración del CaixaForum por “desbloquear” la rehabilitación de las Atarazanas, un edificio que ha visto pasar un proyecto tras otro desde mediados de los noventa y que sigue en desuso. “Estoy segura de que en los próximos meses podremos dar el impulso para continuar con el proyecto”, apuntó Díaz.
“El proyecto es la unión de dos mundos. Uno interior, excavado, que opera por sustracción y es una arquitectura de siempre, cartesiana; y el exterior, la marquesina, que opera por adición y es voluntad de nuestra época. Es el resultado de las limitaciones impuestas por los árboles y los elementos ya existentes. Ambos mundos están conectados por la luz vertical que se filtra de manera tenue a través de la marquesina”, explica Vázquez Consuegra bajo su pórtico, una mole plateada en una mañana lluviosa y gris en la capital andaluza que ha privado a los asistentes del efecto lumínico.
Los primeros en llegar al CaixaForum Sevilla han sido las obras de Gerhard Richter, Jean-Michel Basquiat, Christian Boltanski, Cindy Sherman y Martin Kippenberger. Sus creaciones son algunas de las 39 que integran ¡Mírame! Retratos y otras ficciones en la Colección La Caixa de Arte Contemporáneo, la exposición que ocupa la mayor de las salas con 704 metros cuadrados y que cuenta también con piezas de artistas españoles como Esther Ferrer, Juan Navarro Baldeweg o Antoni Tàpies.
Comisariada por Nimfa Bisbe, jefa de las colecciones de la Fundación Bancaria La Caixa, la muestra, que podrá visitarse hasta el 4 de junio, gira en torno al retrato, a la capacidad del arte para crear una imagen, no para reproducir esa imagen. Bisbe ha buceado entre el casi millar de obras de las últimas tres décadas que la entidad bancaria ha reunido desde 1985 para elaborar un discurso sobre las distintas formas de enfrentarse a un retrato: “Con la introspección de la pintura [Tàpies], el artificio de la fotografía y el vídeo [con obras de Roni Horn o Esther Ferrer], la creación de una memoria social que desdibuja la identidad individual [los trabajos de Boltanski a partir de archivos fotográficos], piezas que cuestionan las convenciones culturales de género y raza [Rosemarie Trockel o Cindy Sherman] o la máscara social [tras la que se escondía Basquiat]”, explica la comisaria.
Además de ¡Mírame!, el nuevo centro cuenta con una retrospectiva del pintor posimpresionista barcelonés Hermen Anglada-Camarasa con casi un centenar de obras, de las cuales 83 proceden de la colección del artista que posee la fundación y que se exhiben habitualmente en el centro de Palma de Mallorca. Anglada-Camarasa, 1871-1959incluye la mayor selección de litografías del autor que se ha expuesto juntas hasta ahora (12). Casi todas las realizó en París a principios del siglo XX impulsado por el también artista Albert de Belleroche, quien las conservó y sus herederos vendieron a la Biblioteca de Cataluña. Entre las 94 obras expuestas, que podrán verse hasta el 20 de agosto, se incluyen 11 prestadas por el Museo de Bellas Artes de Asturias, la Biblioteca de Cataluña y la Fundación Barceló de Palma, entre otros.
Exterior del CaixaForum Sevilla.PACO PUENTES
“Anglada-Camarasa forjó su estilo posimpresionista tan luminoso y personal durante los años que pasó en París, desde 1894 hasta 1914. Desde allí se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo. Más que los temas, siempre le interesó el tratamiento del color, colores con los que trabajaba como si fuesen notas de una sinfonía”, comenta Francesc Fontbona ante el lienzo Vendedor de gallos (1904).
Como tarjeta de presentación en la ciudad, el CaixaForum Sevilla —que como el resto de estos centros cobra entrada a las exposiciones, cuatro euros para los no clientes del banco, y a algunos de los actos que organiza— tendrá jornadas de puertas abiertas desde hoy hasta el 12 de marzo.
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